La vigésima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia se llevó a cabo este 22 al 29 de octubre.
Por: Oswaldo H. Rodríguez
Después de una pandemia mundial, los diferentes festivales, no solo de cine sino en general, ya han abierto sus puertas a la diversidad de gente en el mundo. Sigue existiendo el uso de la mascarilla, pero ya no como uso obligatorio, solo como recomendación.
Debate aparte sugiere el hecho de que aunque suene mal, durante el encierro debido al COVID-19, los festivales internacionales de cine pusieron a disposición diversas películas en línea como parte de sus estrenos. Lo anterior entabló en una diversa magnificencia de oportunidades para las personas que no pueden ir a un festival por circunstancias ajenas y muchas veces por la falta de tiempo y dinero que esto conlleva. Y aunque es entendible el hecho de por qué no es rentable quedarse con la opción a través de Internet, siempre es un disfrute inmenso el poder ser parte de un festival aunque este sea en tu casa a través del móvil, computadora o demás donde puedas disfrutar.
Comparto con la lectora o el lector una lista comentada de las películas que estuvieron en esta 20ª FICM que me parecieron relevantes. Algunas premiadas o de las más esperadas como El norte sobre el vacío de Alejandra Marquéz Abella o The Fabelmans de Steven Spielberg, no las alcancé a ver durante mi estancia (una desventaja de llegar días después de iniciado el festival). La mayoría de las que menciono tendrá exhibición en México, ya sea en salas o en plataformas y espero que les den una oportunidad y las disfruten.
Decision to Leave (Dir. Park Chan-wook) Corea del Sur
El cinesta coreano detrás de "Oldboy" y "The Handmaiden" deambula tranquilamente por otro de sus laberintos inmaculadamente intrincados, haciendo pausas muy ocasionalmente, quizás con el más mínimo rastro de irritación, para asegurarse de que los rezagados en la parte de atrás puedan seguir el ritmo. El proceso debería ser enloquecedor, pero en cambio, como lo demuestra su nuevo título es casi mágico como su rastro de pistas elegantes y brillantes nos lleva, parpadeando a la luz nuevamente. Decision to Leave solo es capaz de despertar emociones tan inesperadamente inmensas durante sus momentos finales debido a las complicaciones que Park crea para sus personajes en el camino, que hunden a Hae-joon y Seo-rae con el mismo peso visible que una ola de agua del océano satura la arena seca que encuentra en la costa. Si Decision to Leave inicialmente parece estar investigando cómo sus sentimientos mutuos pueden sobrevivir a pesar de estar tan sin resolver, surge una imagen diferente con la marea alta, una que sugiere que no hay otra forma de que sigan con vida. El amor puede durar toda la vida, pero el anhelo nunca muere.
Después del éxito mundial de "Parasite" de Bong Joon-ho y la dominación del streaming de "Squid Game", tu nueva y sublime obsesión por el thriller coreano está aquí, y es Decision to Leave de Park Chan-wook.
Broker (Dir. Hirokazu Kore-eda) Corea del Sur - Japón
Una mirada cálida e inesperadamente libre de prejuicios al mercado gris coreano para la adopción. Broker se inspiró en la idea de las "baby hatches", esencialmente, una estación de donación para bebés no deseados, y sigue la curiosidad natural del director hasta su conclusión más humanista. A medida que las audiencias inesperadamente empatizan con prácticamente todos los involucrados en la compra y venta de un bebé el cual trae alegrías. Al igual que con "Shoplifters", gran parte del encanto de Broker proviene de la impresionante cantidad de personas inesperadas que dicen y hacen cosas igualmente inesperadas.
Todo el mundo está haciendo todo lo posible para superar esas elecciones, para convertir un crimen en una forma de salvación, para encontrar un hogar para un niño que ni siquiera sabrá lo que significará el poder de elegir hasta que sea demasiado tarde para usarlo. Estos son conflictos existenciales silenciosos que siempre han preocupado a Kore-eda (y sin duda vivirán para siempre, ya que la lucha continúa por la autonomía corporal) llegando a una especie de pico emocional e intelectual con Broker.
Teorema de Tiempo (Dir. Andrés Kaiser) México
En algún momento de Teorema de Tiempo, su análisis fílmico te atrapa y ya no te suelta. Un documental sobre una familia, identidades y situaciones complejas. El desato emocional es presente desde el inicio cuando parece indagar en el suceso de una pérdida familiar de forma importante porque no sólo es la pérdida, sino toda una historia que se va con un deceso, y es ahí donde Andrés Kaiser cuenta y mejor aún, revela una profesión secreta como cineastas amateur, a través de una serie de dolorosas tragedias familiares que marcaron el destino de la existencia de su abuelo y abuela.
La duda más marcada quizás recae en la frívola careta del título con la voz en off del director tratando de meternos su ambivalente presentación, pero aún en ese detalle, la historia de su familia es envolvente y conmovedora.
Alcarràs (Dir. Carla Simón) España
Notas encantadoras y espontáneas adornan la instantánea, cuidadosamente observada de un verano de cambio imparable y agitación trascendental. Incluso cuando hay momentos de frustración, se aleja justo cuando los conflictos se intensifican; la naturaleza inmersa y vivida de la película tiene un agarre paralizante.
El estado de ánimo que prevalece es de melancolía por una forma de vida amenazada y una estabilidad abruptamente alterada. Pero esa tristeza se ve atenuada por la gratitud por la belleza y la generosidad de la tierra cuya gente no se nutre menos de la tierra y el sol que el huerto que cuidan, con filas y filas de frondosos árboles que dan su suculento fruto al pie de las colinas rocosas.
No se puede negar la fría realidad de los vehículos de construcción arrancando la huerta, una violación que se plasma para observar con la misma dignidad herida que muestran sus personajes. Si bien podría estructurarse de manera más satisfactoria, el impacto emocional sigiloso del drama es innegable.
Pacifiction (Dir. Albert Serra) Francia
La extraña epopeya de Albert Serra es un sueño de la tristesse imperial francesa, la paranoia política y una desesperación apocalíptica. Es una pesadilla que se mueve con la lentitud y la confianza de un sonámbulo, y su ritmo, duración y los hermosos encuadres panorámicos de Serra, en los que el drama convencional está casi camuflado o perdido, pueden dividir la opinión. Solo puedo decir que me cautivó la película y su sigilosa evocación de pura maldad.
Hay escenas magníficamente compuestas: particularmente tomas de las grandes embarcaciones que llevan grupos de surfistas a donde las olas llegan lejos de la costa y estos grandes y pesados botes se enfrentan a olas asombrosamente altas: un espectáculo verdaderamente surrealista. Quizá Pacifiction tenga fallas, pero es rebelde; un auténtico descenso a la oscuridad.
Le pupille (Dir. Alice Rohrwacher) Italia
Así como el pastel que se presenta en esta tierna película de 37 minutos, es colorido, dulce y sorpresivo. Se volverá un clásico navideño y no es para menos. Filmada en Super 16 pero en formato de 35 mm es una fábula sobre la mayoría de edad centrada en la inocencia, la codicia y la fantasía que sigue a las niñas rebeldes en un internado católico en el el período previo a la Navidad durante un tiempo de guerra imaginario. A través de su fino recorrido, presenciamos la postura y contradicciones del convento. La gracia y el carisma de las niñas, solo es tierna, sino que equipara el sentir de las situaciones al mero estilo de una narración con fábula. Pero a pesar de lo anterior puesto, "la fábula" es también un estimulo de aprecio y la directora lo sabe. Para ello, vemos un canto encantador que determina el apego a lo visto.
Armageddon Time (Dir. James Gray) E.U.A
Como un hábil narrador de lo familiar, James Gray toma inspiración de su propia infancia en Queens para presentar al joven Paul (Banks Repeta), quien a inicios de la década de los 80 vive con su familia clasemediera compuesta por sus padres (Anne Hathaway & Jeremy Strong), su hermano mayor y su abuelo (Anthony Hopkins), un inmigrante judío que ha tratado de infundir en su familia un humanismo que mira con repulsión el mensaje de exclusión y progreso abanderado por el entonces candidato a la presidencia Ronald Reagan. De hecho, el título de la película proviene de una cita de Reagan, quien refirió en un programa televisivo que a la sociedad que quería dirigir podría tocarle vivir “el fin de los tiempos” ante los aumentos de los niveles de crimen y de consumo de drogas, tácticas que, a la distancia, podemos reconocer como medios de control y segregación racial. La película de Gray enfatiza involuntariamente la paradoja progresista: mientras mayor es la inclusión, mayor es la desigualdad social y económica generada, por ello la presencia central de miembros de la familia Trump, como Fred y Maryanne (Jessica Chastain) no es casual. Aunque la política es el eje central de la película de Gray, su interés también se desdobla en los vínculos familiares que se exponen en el cotidiano.
Las promesas del futuro resuenan para Gray como abrumadoras condenas que hacen inviable todo asomo de heroísmo o sacrificio. Armaggedon Time habla del privilegio blanco no como una condición deseada, sino inadvertidamente adquirida, un pacto implícito racial que tiene mayor resonancia en el tercer acto de la película.
The Menu (Dir. Mark Mylod) E.U.A
¿Qué tipo de película es esta?
Hacerte esa pregunta puede ser una de las experiencias más emocionantes de ir al cine. Ocurre varias veces durante The Menu de Mark Mylod, una película que combina géneros en el equivalente cinematográfico de la cocina fusión: una sátira que se convierte en un thriller y finalmente en una película de terror, capta tu atención y nunca la deja pasar. Como explica un personaje, la comida es una historia de clase. La acusación del uno por ciento y obscenamente rico permanece en la parte superior, pero el diálogo sobre la perfección y el intelectualismo es mucho más cautivador.
Para que The Menu diga más, necesitaría personajes más ricos y desarrollados más allá de Margot (Anya Taylor-Joy). Desea obtener más información, pero está demasiada dividida para hacer cualquier tipo de acusación contra nuestra creciente cultura de venganza que se ha convertido en una economía por derecho propio. Sin embargo, la película hace una cosa excepcionalmente bien: mantiene tu atención y te hace pensar por un momento que cualquier resultado es posible. Eso solo es algo por lo que salivar.
The Menu es una experiencia más como de anécdota que para volver a ella. Y cierro este escrito específicamente con esta cinta porque es con ella donde más interacción y público hubo. Una sala repleta con diferentes emociones: seria, risas, sustos y más risas.